Marisa Merz, konstnären i arte povera som länge sågs som bara hustrun

Den första stora skulptur Marisa Merz skapade lämnade inte hemmet på flera månader. Hon klippte aluminiumplåt med plåtsax, häftade ihop remsorna till spiraler och slingor och hängde dem från kökstaket i lägenheten i Turin, där hon bodde med konstnären Mario Merz. Så småningom kröp formerna in i vardagsrummet och ringlade sig runt tv:n. Dottern minns att hon var rädd för dem. På vissa ställen har metallen fortfarande en svag gul ton efter cigarettrök och matos.

Hon kallade verken Living Sculpture. Ett av dem finns numera på Tate Modern, ett annat på GAM, Turins kommunala galleri för modern konst. Kvinnan som skapade dem är svårare att ringa in. Hon var den enda kvinnan med koppling till Arte Povera, den italienska rörelse som byggde av rep, trasor, jord och skrot, och under större delen av sin yrkeskarriär presenterade kritiker henne först som hustru till en av rörelsens ledande gestalter. Många verk lämnade hon utan årtal och titel, och efter sig lämnade hon så få dokument att uppslagskällor fortfarande är oense om vilket år hon föddes. Nu uppmärksammar Turin hennes hundraårsjubileum med en retrospektiv på tre institutioner, och utställningen tar vid med en fråga som hon ägnade livet åt att vägra besvara.

Det som finns dokumenterat börjar i Turin, där hon föddes den 23 maj 1926 och där hennes far arbetade för Fiat. På 1940-talet stod hon modell för målaren Felice Casorati. Utöver det kunde kuratorerna för hennes första amerikanska retrospektiv, 2017, enligt egen utsago hitta nästan ingenting om hennes liv före 1960 – inte ens ett födelsebevis. Det året gifte hon sig med Mario Merz, och deras dotter Beatrice föddes.

Köksskulpturerna kom till 1966, när hon var hemma med ett litet barn. ”Jag klippte ut de här sakerna och sydde ihop dem, det fanns en rytm i alltihop, och det tog tid, mycket tid”, sa hon senare. ”Allt var lika viktigt, Bea, sakerna jag sydde.” Titeln anspelade på teatergruppen Living Theatre i New York, och aluminiumet fick snart ett andra liv som inälvorna i ett monster i Il mostro verde, en underjordisk kortfilm av Tonino De Bernardi och Paolo Menzio.

1967, samma år som galleristen Gian Enzo Sperone visade skulpturerna på sitt galleri i Turin, myntade kritikern Germano Celant begreppet Arte Povera. Den första utställningen under den beteckningen tog inte med henne. Hon kom in bakvägen. I oktober 1968 deltog hon i evenemanget Arte Povera + Azioni Povere i Amalfi, tillsammans med Michelangelo Pistoletto, Alighiero Boetti, Giovanni Anselmo och sin make. Materialen skiftade från aluminium till stickad koppartråd och nylontråd. Scarpette från 1968 är tofflor stickade efter hennes och dotterns egna fötter. På galleriet L’Attico i Rom bar hon dem under ett performance, som om skulpturen helt enkelt var en del av det hon hade på sig. Ett annat väggverk stavade ut barnets smeknamn i klumpar av nylonnät, med stickorna fortfarande kvar i arbetet.

Hennes första separatutställning på L’Attico 1970 följdes av ett performance på stranden i Fregene, där hon lade ut hoprullade filtar längs strandkanten. Samma år flög hon i ett litet privatplan och behandlade resan, som dokumenterades i fotografier, som ett verk i sig. En rad ur en av hennes dikter om flygturen – ”himlen är ett stort rum” – skulle senare ge namn åt hennes amerikanska retrospektiv. Till sin andra utställning på L’Attico 1975 samlade hon kopparvävnaderna, en skål salt, skorna och verket med namnet under en mening som liknar en metod: Ad occhi chiusi gli occhi sono straordinariamente aperti, med slutna ögon är ögonen extraordinärt öppna.

Från mitten av 1970-talet bredde verken ut sig över hela rum och rörde sig mellan galleriets offentliga rum och källarens dolda, samtidigt som ett nytt motiv trädde fram: människans ansikte. Små huvuden i obränd lera, vax och gips, ibland med bladguld eller koppartråd, följde henne i mer än fyrtio år. 1980 skapade hon E il naufragar m’è dolce in questo mare, vars titel är hämtad från den sista raden i Giacomo Leopardis dikt L’infinito. Verket visades först på galleriet Tucci Russo i Turin och därefter på Venedigbiennalen. Documenta i Kassel bjöd in henne 1982 och på nytt 1992, och Centre Pompidou gav henne en separatutställning 1994.

Den vanliga berättelsen beskriver hennes sena erkännande som en rättelse: den förbisedda hustrun blir äntligen sedd. Verkligheten är mer komplicerad. När Peter Schjeldahl recenserade hennes retrospektiv på Met Breuer i The New Yorker jämförde han paret med Diego Rivera och Frida Kahlo. Kuratorn Ian Alteveer berättade för honom att Mario regelbundet rådfrågade henne om hur hans egna utställningar skulle installeras. Inflytandet gick åt båda hållen, men dokumentationen bevarade bara den ena riktningen. Hon vägrade också kalla sig själv eller sin konst feministisk, så långt att hon strök ordet ur titeln på en essä i utställningskatalogen, samtidigt som köket, stickningen och dotterns tofflor gjorde henne till det mest självklara exemplet för feministiska kritiker inom rörelsen. På Castello di Rivoli har kuratorerna skapat vad de kallar en utvidgad retrospektiv och placerat henne intill tio kvinnliga konstnärer ur senare generationer, däribland Tacita Dean, Miriam Cahn och Lara Favaretto. Det är en generös idé, men också just den inramning – en kvinna bland kvinnor – som hon i årtionden försökte undvika.

Erkännandet kom från Venedig. Den 49:e biennalen gav henne ett särskilt jurypris 2001, och 2013 tilldelade den 55:e biennalen, curerad av Massimiliano Gioni, henne Guldlejonet för livsverket, som hon delade det året med den österrikiska målaren Maria Lassnig. Efter att ha blivit änka 2003 arbetade hon fortfarande i Turin vid 90 års ålder, när The Sky Is a Great Space, hennes första stora amerikanska retrospektiv, öppnade på Met Breuer i New York i januari 2017 och därefter visades på Hammer Museum i Los Angeles. Hon dog i Turin den 19 juli 2019, 93 år gammal. Hennes sista separatutställning, Geometrie sconnesse palpiti geometrici, öppnade två månader senare på MASI i Lugano.

Sedan dess har hennes verk fortsatt att visas runt om i världen under ledning av dödsboet, som förvaltas av Beatrice Merz genom Fondazione Merz i Turin. 2025 visade Kunstmuseum Bern den största översikten över hennes konst som någonsin arrangerats i Schweiz. Den 29 oktober 2026 öppnar La danza delle ore, Dansen av timmarna, i tre delar och visas till den 4 april 2027. Castello di Rivoli återskapar Leopardiverket från 1980 i sin Manica Lunga. Fondazione Merz följer hennes arbetsprocess: hur hon valde föremål och balanserade dem så att de ser ut att vara på väg att falla. På GAM visas 1966 års Living Sculpture åter, efter en restaurering vid konserveringscentret på La Venaria Reale.

Aluminiumet som en gång trängde undan allt annat i en familjs kök, med röklagren kvar, återvänder alltså till ett offentligt museum i staden där det klipptes till. Budskapet är detsamma: timmarna hemma, med ett barn att ta hand om och metall att klippa vid samma bord, var aldrig en mindre betydelsefull sorts tid.

Taggar: artists, italiensk konst, Arte povera, Marisa Merz, Germano Celant, La danza delle ore

Relaterade personer

Josef Albers

Giorgio Morandi

Lucio Fontana

Louise Bourgeois

Meryl Streep

Alex Katz