Guillermo del Toro, filmskaparen som lärde oss att skönhet kan ha gälar och att oskuld ofta kräver olydnad för att överleva, har alltid befunnit sig i ett obekvämt rum: skärningspunkten mellan estetisk skräck och radikal ömhet. Hans narrativa universum är ett ständigt pågående argument för det defekta, det marginaliserade och det härligt inkorrekta. För många berättar Del Toro inte bara historier; han ritar en emotionell karta som rättfärdigar existensen av det som samhället ihärdigt försöker dölja.
Det ofullkomliga monstrets bankett: En intim djupdykning
Denna djupt personliga vision är den centrala axeln i Sangre del Toro, dokumentären som presenteras som den mest intima röntgenbilden av hans kreativa psyke. Det är mindre av en formell biografi och mer en djupdykning i den mentala arkitektur som ger liv åt hans varelser. Filmen är regisserad av den franske filmskaparen Yves Montmayeur, en dokumentärfilmare med stor erfarenhet av att utforska filmens värld, som presenterade verket i sektionen Venice Classics. Filmen rör sig medvetet bort från den kronologiska tidslinjen. Montmayeur, som har en två decennier lång karriär bakom sig, vill erbjuda en ”intim resa” in i det kreativa universumet och porträtterar Del Toro helt enkelt ”i ett ögonblick av hans liv”.
Dokumentären fokuserar på att nysta upp den mexikanske regissörens tankevärld. Det är inte en klassisk biografi, utan den tränger rakt in i regissörens sinne och samlar vittnesmål från Del Toro själv och nära medarbetare, såsom art directorn Eugenio Caballero. Visuellt använder filmen ett genialt greb: den nyttjar omfattande bildmaterial från den gigantiska utställningen En casa con mis monstruos (Hemma med mina monster), som visades i Guadalajara 2019. Utställningen är i sig ett studieobjekt då den fokuserar på konsten kring det som anses monströst, inte bara i fysisk form utan även i dess ”beteende eller betydelse”.
Genom att blanda detta enorma personliga arkiv med scener från hans stora produktioner, såsom Hellboy, Pans labyrint eller The Shape of Water, använder dokumentären samlingen som om den vore biografin själv. Utställningen, som är en syntes kurerad av Del Toro över alla hans influenser (från mexikanska sakrala konstföremål till referenser till Edgar Allan Poe), gör det möjligt för dokumentären att kartlägga regissörens psykologiska utveckling utan att behöva följa en linjär kalender. Filmens struktur efterliknar därmed den associativa och icke-linjära naturen hos Del Toros egen fantasi.
”Vi måste vara trasiga”: Filosofin om konst utan stamtavla
Om det finns en filosofisk punkt som definierar den mexikanske regissörens väsen, och som dokumentären fångar på ett avgörande sätt, är det hans försvar av det inkorrekta. Del Toro överraskade i Venedig med ett uttalande som blir den centrala tesen i hans konst: ofullkomlighet är inte en brist, utan den nödvändiga källan till skapande. Genom att fånga regissörens röst i ett ögonblick av stor övertygelse understryker dokumentären hans påstående att ofullkomlighet är något eftersträvansvärt.
Del Toro formulerade det slagkraftigt och med en dos svart humor: ”Vi kan vara trasiga och skapa konst. Faktum är att vi måste vara trasiga!” Denna idé går bortom en enkel tillåtelse att fela; det är en djup reflektion över autenticitet. Sann konst, menar han, måste födas ur obehag och friktion. Denna filosofi kring defekter presenteras som ett kraftfullt avvisande av de krav på renhet eller perfektion som ställs av rigida strukturer.
Den retoriska frågan som Del Toro ställer avslöjar den sociala avsikten med hans arbete: ”Vi har ingen position i kyrkan, vi är inte politiker, så varför skulle vi vara perfekta?” Genom att göra sig av med behovet av en moralisk eller institutionell stamtavla frigör sig konstnären för att porträttera den mänskliga sanningen i dess ”råaste drag”. Acceptansen av dessa misslyckanden och denna inneboende trasighet kopplas direkt till en av de stora narrativa motorerna i hans filmografi: olydnad.
Om den etablerade ordningen kräver en ouppnåelig perfektion (dogmer, makt), då blir handlingen att omfamna sin egen ofullkomliga verklighet den mest moraliska och mänskliga handlingen. Det är olydnad som leder Ofelia i Pans labyrint att söka sanningen, och det är acceptansen av dödlighet och ofullkomlighet som låter hans Pinocchio uppnå mänsklighet. Genom att dra dessa paralleller visar dokumentären att Del Toros verk är ett ihållande argument mot försköningen av den sociala och emotionella verkligheten, där monstret används som ett verktyg för upprättelse.
Labyrinterna i Guadalajara: Mexikanskt blod i global skräck
För att förstå var denna aptit på det gotiska och ofullkomliga härstammar ifrån, reser Sangre del Toro nödvändigtvis till Guadalajara. Dokumentären dyker ner i regissörens formativa barndom, en period som präglades av en barnslig rädsla för döden. Del Toro delar i filmen med sig av hur hans föräldrar lämnade honom på bion från klockan tio på förmiddagen för att se skräckfilm, en ritual som sådde hans tidiga och djupa kärlek till genren.
Denna tidiga och praktiska relation till film etablerades vid en förvånansvärt ung ålder. Del Toro berättar hur han gjorde sin första film som åttaåring med hjälp av sin pappas Super 8-kamera. Denna detalj understryker att hans identitet som filmskapare inte var ett sent kall, utan en uttrycksfull nödvändighet som manifesterades nästan från vaggan. Filmen spårar inte bara ursprunget till hans teknik, utan även till hans estetik. Ankarpunkterna för hans gotiska stil avslöjas som djupt lokala.
Hans smak för det gotiska, erkänner han, kommer från den imponerande katedralen i Guadalajara. Dessutom identifieras den mexikanska kulturen, med sin förtrogenhet och kult kring döden, som ett element som är ”mycket djupt rotat i Del Toros ande”. Denna koppling står i kontrast till den gängse berättelsen som ofta ser skräckfilm som rent eurocentrisk, och visar att Del Toro filtrerade genren genom prismat av fatalitet och latinamerikanskt barockt melodrama, vilket lyfter den mexikanska ikonografin till en nivå av inflytande lika vital som de klassiska monstren. Ett ständigt narrativt element i hans berättelser är hans kärlek till labyrinter, en fascination som regissören också tar upp i dokumentären. Labyrinten är per definition en struktur för sökande och förvirring som kapslar in rädslan och behovet av att hitta en väg genom ett upplevt kaos. Genom att koppla dessa narrativa strukturer till hans hemgeografi understryker dokumentären att Del Toros ”blod” är en oskiljaktig blandning av global skräck och tradition från Guadalajara.
Bleak House: Samlingen som ett externaliserat samvete
Om Del Toros barndom förklarar ursprunget till hans fascination, är hans personliga samling i Los Angeles, känd som Bleak House (en nick till Charles Dickens), den fysiska materialiseringen av detta sinne. Dokumentären använder detta residens, som är ett ovanligt museum fyllt med mer än 600 föremål som speglar hans besatthet, för att utforska hans ständiga fascination för det monströsa.
Den berömda utställningen En casa con mis monstruos, vars bilder är en visuell grundpelare i dokumentären, är i grunden den offentliga exporten av hans kreativa medvetande. Samlingen är avsiktligt eklektisk, då dess syfte är att undersöka det monströsas konst, inte bara i dess fysiska form, utan även i dess ”beteende eller betydelse”. Utställningen avslöjar Del Toros metodik: hur han tar vitt skilda och utländska influenser (från Poe och Lovecraft till Moebius) och omvandlar dem genom att sätta dem i kontext med den mexikanska fantastiska fantasin. Detta inkluderar jämförelsen av utländska mytologier med sakral konst och politisk karikatyrs från Mexiko, som har historiska rötter som går tillbaka till kolonialtiden.
Denna hängivenhet till sina föremål går långt utöver enkelt samlande. När en del av hans samling packades ner för utställningen på Los Angeles County Museum of Art (LACMA), erkände regissören att han kände sig djupt obekväm och förklarade att huset kändes ”tomt”. Han betraktar dessa varelser och artefakter som sina ”följeslagare” och sin ”vårdare”. Denna detalj avslöjar en djupt mänsklig och sårbar sida hos regissören. Bleak House är inte bara ett konstlager, utan en psykologisk fristad. Genom att visa detta känslomässiga beroende av hans ”monster” illustrerar dokumentären hur samlande blir en försvarsmekanism mot kaoset i omvärlden. Han är en konstnär som behöver bygga en fysisk tillflyktsort för sin fantasi, och filmen dokumenterar den intima relationen mellan mannen och hans skapelser.
Antagonistens anatomi: Den sanna skräcken bär kostym och slips
Utforskandet av Del Toros sinne i Sangre del Toro avslöjar att hans fascination för monster alltid har varit en indirekt form av samhällskritik. En grundläggande premiss i hans filmkonst är att maktstrukturer och systemiskt förtryck är de verkliga antagonisterna, inte fantasivarelserna. Hans filmer, såsom Pans labyrint, använder fantasin som ”tillflykt och motståndshandling” mot ”vuxenvärldens förtryck och våld”.
Regissören identifierar källan till det moderna monstret som ideologisk. Brutaliteten härrör inte från biologin eller det övernaturlige, utan från ”tvärsäkerhet, dogmer och följandet av idén att det finns ’vi och dom'”. Uppdelning är för Del Toro roten till omänsklighet, och hans filmer söker exponera den auktoritet som maskerar grymhet. Faktum är att han hävdar att dagens mest brutala monster bär ”kostym och slips”.
Denna filosofi får en vital samtida relevans när Del Toro applicerar den på omedelbara sociala problem. I dokumentären hörs han reflektera över migrationens tillstånd och beklaga hur ”absolut fruktansvärt” det är att se migration som en skadlig faktor. Han betraktar denna hållning som vansinne, då ett land som USA ”skapades på basis av migration”. Genom att koppla monstrets arketyp, en marginaliserad och avvisad varelse (som Frankensteins monster), till den moderna migrantens upplevelse, omvandlar Del Toro skräckgenrens klassiska troper till en omedelbar politisk liknelse om utanförskap och gränsernas grymhet. Dokumentären bekräftar att under den mörka fantasins yta finns en upphovsman med ett djupt humanistiskt engagemang som söker empati även i de mest deformerade karaktärerna.
En sista föreställning: Slutet på en cykel och nästa förvandling
Sangre del Toro blickar inte bara bakåt, utan dokumenterar en professionell vändpunkt. Dokumentären fångar den atmosfär av samarbete och generositet som definierar hans kreativa process. Del Toro, känd för sin förmåga att inspirera sina team, beskrev en av sina huvudrollsinnehavare som någon som skulle göra sin roll till ”en bankett”, vilket bekräftar hans engagemang för en miljö som främjar uttrycksfullhet och hög kreativ prestation.
Men det mest avslöjande vittnesmålet från regissören är hans egen självutvärdering. Del Toro bekräftar kategoriskt att hans senaste filmprojekt representerar slutet på en era: ”Jag visste att det är slutet på en cykel, det är jag helt på det klara med”. Enligt honom kulminerade allt han praktiserat och producerat under tre decennier av regi i den filmen, vilket markerar en slutpunkt innan en ”ny cykel” tar vid.
Detta uttalande ger Sangre del Toro en särskild historisk tyngd. Dokumentären, regisserad av Montmayeur, blir inte bara en fallstudie i kreativitet, utan den definitiva retrospektiven över filosofin, influenserna och metodiken som definierade den första fasens Guillermo del Toro: mannen bakom Pans labyrint, The Shape of Water och den animerade Pinocchio. Genom att dokumentera det kreativa medvetandet precis när konstnären förklarar slutet på sin dominerande estetiska fas, fungerar filmen som den essentiella krönikan över det ”blod” som drev dessa tre decennier av fantasi. Montmayeurs verk är därför en kulmen och ett farväl, en detaljerad karta över den tillryggalagda vägen innan nästa konstnärliga metamorfos.
Mötet på Netflix
Gör er redo att kliva in i det mest ömma och skräckinjagande sinnet inom modern film, för den intima resan i Sangre del Toro har premiär på Netflix den 21 november.
