I den moderna filmens storslagna pantheon finns det få gestalter som upptar ett så unikt och kärleksfullt utformat utrymme som Guillermo del Toro. Han är filmskapare, författare, konstnär – men framför allt är han en alkemist. I över tre decennier har han praktiserat en unik form av filmisk alkemi, där han tar vad vissa skulle kalla ”oädla materia” – monster, spöken, insekter och skräckens attribut – och omvandlar den till berättande guld. Hans verk är ett bevis på en djup och orubblig övertygelse: att monster är ”ofullkomlighetens skyddshelgon” och att det inom det groteska ryms en unik och poetisk skönhet.
Hans karriär är inte en enkel utveckling från lågbudgetskräck till Hollywood-prestige, utan ett konsekvent, livslångt projekt att bygga ett cinematiskt kuriosakabinett. Varje film är en ny låda i detta kabinett, som avslöjar en minutiöst utformad värld där sagor kolliderar med historiens brutala maskineri, och där de mest mänskliga karaktärerna ofta har horn, gälar eller urverkshjärtan. Denna orubbliga vision har lett honom till branschens högsta höjder och gett honom Oscarstatyetter för Bästa regi och Bästa film för en film om en stum kvinnas kärlek till en flodgud, och en annan för Bästa animerade film för en stop motion-fabel om en träpojke i det fascistiska Italien. Guillermo del Toros resa är berättelsen om en regissör som inte ändrade sin vision för att vinna Hollywoods godkännande, utan som, genom ren konstnärlighet och övertygelse, fick Hollywood att slutligen uppskatta den djupa, monstruösa vision han alltid har burit på.
En barndom smidd i skugga och tro
Råmaterialet till hela del Toros konstnärliga vision utvanns från gatorna och hemmen i hans födelsestad Guadalajara, Mexiko, där han föddes den 9 oktober 1964. Hans ungdom var en smältdegel av djupa och ofta motsägelsefulla influenser. Han växte upp i ett strikt, djupt katolskt hem under överinseende av sin farmor, en kvinna vars tro var både en källa till rik ikonografi och djupt rotad skräck. Hon såg hans spirande fascination för fantasy och skräck inte som en kreativ gnista, utan som en andlig sjukdom. Då hon ogillade hans teckningar av monster och demoner, utsatte hon den unge pojken för två separata exorcismer och kastade vigvatten på honom i ett försök att rena hans själ. Som en ytterligare form av botgöring lade hon metallkapsyler i hans skor så att de skulle blöda om fötterna, en brutal, fysisk manifestation av religiös skuld.
Denna morbida katolicism speglades av stadens ofiltrerade verklighet. Del Toro har talat om sin tidiga, upprepade exponering för döden och har livliga minnen av att ha sett riktiga lik på bårhus, i kyrkokatakomber och på gatan efter olyckor eller våldsdåd. Denna miljö, där det heliga och det profana stod i konstant, visceral dialog, formade ett sinne som inte såg någon tydlig gräns mellan det verkliga och det fantastiska. För att fly drog han sig tillbaka till en fantasivärld och fann tröst, inte hos helgon, utan hos monster.
Hans kreativa impulser fann ett utlopp när han vid cirka åtta års ålder började experimentera med sin fars Super 8-kamera. Hans första filmer, med leksaker från Apornas planet och andra hushållsföremål i huvudrollerna, var redan genomsyrade av en mörk, komisk känslighet. En anmärkningsvärd kortfilm handlade om en ”seriemördar-potatis” med ambitioner om världsherravälde, som mördade sin familj innan den utan ceremonier blev överkörd av en bil. Detta tidiga arbete avslöjar ett sinne som redan lekte med skräckgenrens troper och fann en sällsam och underbar kraft i det makabra. Den centrala konflikten i del Toros senare verk – kollisionen mellan stela, grymma institutioner och det själfulla, missförstådda ”monstret” – var en direkt externalisering av denna barndom. Han förkastade inte bara sin farmors tro; han anammade dess gotiska prakt och överförde dess känsla av vördnad och skräck till en ny, personlig mytologi av egen skapelse.
Hantverkarens lärlingstid: Från Necropia till Cronos
Del Toros resa från ungdomlig hobbyist till professionell filmskapare byggde på en grund av praktiskt hantverk. Han skrev in sig på filmvetenskapsprogrammet vid universitetet i Guadalajara, där han till och med publicerade sin första bok, en biografi om Alfred Hitchcock. Hans mest avgörande utbildning kom dock inte från ett klassrum, utan från en verkstad. Han sökte upp och studerade specialeffekter och smink under den legendariske Dick Smith, konstnären bakom de banbrytande effekterna i Exorcisten. Detta mentorskap var omvälvande. Under det följande decenniet ägnade sig del Toro åt hantverket, arbetade som specialeffekts-sminkör och grundade så småningom sitt eget företag i Guadalajara, Necropia. Under denna period finslipade han sina färdigheter i mexikanska TV-serier som Hora Marcada, där han arbetade tillsammans med framtida samarbetspartners som Alfonso Cuarón och Emmanuel Lubezki, och var med och grundade Guadalajaras internationella filmfestival.
Denna djupa, taktila förståelse för hur filmens magi fysiskt skulpteras, formas och väcks till liv skulle bli grundstenen i hans regissörsstil och ingjuta en livslång förkärlek för praktiska effekter som ger hans fantastiska skapelser en påtaglig, visceral tyngd. Denna intensiva lärlingstid kulminerade i hans långfilmsdebut 1993, Cronos. Filmen, som finansierades med en budget på cirka 2 miljoner dollar som del Toro delvis täckte själv, var det ultimata uttrycket för hans resa som hantverkare. Det var en film som finansierades av och byggde på hans expertis inom praktiska effekter. Cronos berättar historien om en äldre antikhandlare som upptäcker en 400 år gammal, insektsliknande anordning som ger evigt liv till priset av en vampyrisk blodtörst. Filmen var en fulländad programförklaring som introducerade världen för del Toros signaturmotiv: invecklade urverksmekanismer, insektsbilder, ett tragiskt och sympatiskt monster och en djup källa av katolsk symbolik. Den markerade också hans första samarbete med skådespelaren Ron Perlman, som spelade en brutal amerikan på jakt efter anordningen.
Cronos blev en sensation i Mexiko och sopade mattan med konkurrensen vid Ariel-galan med nio vinster, inklusive Bästa film och Bästa regi. Den vann därefter det prestigefyllda priset vid Internationella kritikerveckan på filmfestivalen i Cannes, vilket förkunnade ankomsten av en häpnadsväckande originell röst inom världscinematografin. I USA var dess lansering dock begränsad och den spelade bara in 621 392 dollar. Filmen var en kritikerfavorit men en kommersiell fotnot, ett mönster som skulle definiera nästa steg i hans karriär när han gav sig in i hjärtat av Hollywood-systemet.
Elddopet: Hollywood-prövningen med Mimic
Efter den internationella framgången med Cronos gjorde del Toro sitt första försök i det amerikanska studiosystemet med science fiction-skräckfilmen Mimic från 1997, producerad av Miramax genre-etikett, Dimension Films. Erfarenheten skulle visa sig vara ett traumatiskt elddop. Han hade ständiga konflikter med producenterna Bob och Harvey Weinstein, som han ansåg lade sig i varje aspekt av projektet. Studion ifrågasatte hans beslut om handling, rollbesättning och ton och krävde en mer konventionell och ”läskigare” film än den stämningsfulla monsterfilm del Toro hade i åtanke. Det ursprungliga konceptet, som involverade spöklika vita insekter, ändrades till gigantiska, muterade kackerlackor – ett drag som del Toro fruktade skulle förvandla hans film till ”filmen om den gigantiska kackerlackan”.
De kreativa striderna blev så intensiva att Harvey Weinstein enligt uppgift stormade in på inspelningsplatsen i Toronto för att instruera del Toro i hur man regisserar och senare försökte få honom sparkad, ett försök som bara avvärjdes genom ingripande från huvudrollsinnehavaren Mira Sorvino. Del Toro har sedan dess kallat skapandet av Mimic för en av de värsta upplevelserna i sitt liv, en ”hemsk, hemsk, hemsk upplevelse” som han har jämfört ofördelaktigt med kidnappningen av sin egen far. Han tog slutligen avstånd från den färdiga bioversionen av filmen, även om han senare kunde släppa en director’s cut 2011 som återställde några av hans ursprungliga intentioner. Prövningen drev honom nästan helt bort från amerikansk film.
Det professionella traumat från Mimic hade dock en djup och varaktig inverkan på hans hantverk. Som svar på att hans arbete blev omklippt och kontrollerat av studion, utvecklade del Toro medvetet en specifik regissörsstil som en form av kreativt självförsvar. Han började filma på ett sätt som trotsade enkel omredigering, genom att använda flytande, komplexa och ofta långa kameraåkningar som väver sig genom inspelningsplatsen. Denna ”svävande kamera”-stil, som nu hyllas som ett kännetecken för hans konstnärskap, föddes som en beräknad överlevnadstaktik. Det var ett sätt att göra kameran till en berättande karaktär i sig själv och bädda in den narrativa logiken så djupt i en tagningens visuella språk att den inte lätt kunde monteras isär i klipprummet. Smärtan från Mimic smidde just de verktyg han skulle använda för att bygga sina framtida mästerverk.
Åter till rötterna: Den spanska gotiken i The Devil’s Backbone
Omskakad av sin Hollywood-prövning gjorde del Toro en strategisk och andligt nödvändig reträtt. Han återvände till sina rötter, bildade sitt eget produktionsbolag, The Tequila Gang, och inledde en spansk-språkig samproduktion mellan Spanien och Mexiko. Resultatet blev The Devil’s Backbone (2001), en djupt personlig gotisk spökhistoria som fungerade både som en kreativ föryngring och som den tematiska mallen för hans mest hyllade verk.
Filmen producerades av den legendariske spanske regissören Pedro Almodóvar och hans bror, Agustín, genom deras bolag El Deseo. Detta partnerskap visade sig vara det perfekta motgiftet mot giftet från Mimic. Del Toro beviljades fullständig kreativ frihet, ett koncept så absolut att när han bad om slutklippningen blev Pedro Almodóvar genuint förvirrad och svarade: ”Men självklart är beslutet ditt!”. Denna skyddade miljö tillät del Toro att återfinna sin röst och läka såren från sin tidigare film. Han återupplivade ett manus han hade skrivit redan före Cronos, en berättelse som utspelar sig 1939 under det sista året av spanska inbördeskriget. Historien följer en ung pojke, Carlos, som skickas till ett hemsökt barnhem som drivs av republikanska lojalister. Där konfronterar han inte bara spöket av ett mördat barn utan också de mycket mänskliga ondskorna av girighet och våld, förkroppsligade av vaktmästaren Jacinto. Filmen blandar mästerligt övernaturlig skräck med historisk tragedi och etablerar spanska inbördeskriget som vad del Toro senare skulle kalla en ”spökmotor” – ett historiskt trauma så djupt att dess spöken fortsätter att hemsöka nuet.
The Devil’s Backbone hyllades av kritiker som ett mästerverk i stämning och metafor. Viktigare för del Toro var det en bekräftelse på att hans kompromisslösa vision kunde resultera i kraftfull, resonant filmkonst. Han har beskrivit filmen som ”bröderfilmen” till Pans Labyrint, en mer maskulin motsvarighet till den feminina energin i hans senare verk. Den kreativa tillfredsställelsen och kritikersuccén med The Devil’s Backbone var den väsentliga konstnärliga terapisessionen som inte bara återställde hans självförtroende utan också lade de grundläggande teman och den historiska bakgrunden för det magnum opus som skulle komma.
Erövringen av den breda publiken: Blade II och Hellboy-sagan
Stärkt av den kreativa triumfen med The Devil’s Backbone återvände del Toro till Hollywood, men denna gång på sina egna villkor. Han tog över rodret för vampyr-superhjälte-uppföljaren Blade II (2002), ett projekt som tillät honom att smälta samman sin gotiska, monstruösa estetik med högoktanig blockbuster-action. Trött på den romantiska ”plågade viktorianska hjälte”-tropen var han fast besluten att göra vampyrer skrämmande igen. Filmen blev en rungande succé, spelade in 155 miljoner dollar och bevisade att hans unika känslighet kunde frodas inom en mainstream-franchise. Han tog med sig sin signaturkärlek för praktiska effekter, intrikat varelse-design – som de skrämmande ”Reapers” med sina kluvna käkar – och stämningsfull, atmosfärisk belysning till serietidningsfilmernas värld och skapade vad många fans anser vara trilogins höjdpunkt.
Denna framgång gav honom branschinflytandet att driva ett projekt han hade värnat om i åratal: en filmatisering av Mike Mignolas serietidning Hellboy. Resan att föra den vitsiga, rödhudade demonen till duken var en mödosam en, definierad av del Toros orubbliga lojalitet och konstnärliga integritet. I sju år kämpade han mot studior som var tveksamma till projektet och, viktigast av allt, till hans val av huvudrollsinnehavare. Del Toro var orubblig i att endast en skådespelare kunde förkroppsliga karaktärens själ: hans vän och frekventa samarbetspartner, Ron Perlman. Han vägrade att göra filmen med någon annan och var villig att offra hela projektet hellre än att kompromissa med vad han kände var dess hjärta.
Hans envishet lönade sig. Hellboy släpptes 2004, följd av den ännu mer fantastiska uppföljaren, Hellboy II: The Golden Army, 2008. Filmerna är en livfull uppvisning av del Toros passioner. De är fyllda med hisnande praktiska effekter och varelse-designer, varav många sprang direkt från hans personliga anteckningsböcker. Han närmade sig dessa franchise-filmer inte som en regissör på uppdrag, utan med samma auteur-passion som han gav sina oberoende verk. Han balanserade den explosiva actionen med äkta patos och karaktärsbaserad humor, och förmänskligade sin monstruösa hjälte och hans funna familj av ”freaks”. Genom att göra det suddade del Toro effektivt ut gränsen mellan konstfilmen och multiplexbiografen och demonstrerade att för honom var en berättelse om ett sympatiskt monster ett värdigt företag, oavsett budget.
Mästerverket: Inuti Pans Labyrint
År 2006 släppte Guillermo del Toro filmen som skulle komma att definiera hans karriär och cementera hans status som en av världens främsta filmiska visionärer: Pans Labyrint (El laberinto del fauno). Som en internationell samproduktion mellan Spanien och Mexiko var det ett så personligt projekt att del Toro investerade sin egen lön för att säkerställa dess slutförande. Filmen är den ultimata syntesen av varje tema, influens och besatthet som hade format hans liv och verk fram till den punkten.
Historien, som uppstod från tjugo års idéer, teckningar och handlingsfragment samlade i hans minutiöst förda anteckningsböcker, utspelar sig 1944, fem år efter spanska inbördeskriget. Den följer en ung flicka vid namn Ofelia som reser med sin gravida mor till en lantlig militär utpost som leds av hennes sadistiska nya styvfar, falangistkaptenen Vidal. För att undkomma den brutala verkligheten i sitt nya liv upptäcker Ofelia en uråldrig labyrint och en mystisk faun, som berättar för henne att hon är en sedan länge förlorad prinsessa från underjorden. För att återta sitt kungarike måste hon slutföra tre farofyllda uppgifter.
Pans Labyrint är en mästerlig och hjärtskärande blandning av en mörk saga i bröderna Grimms anda och den orubbliga brutaliteten i efterkrigstidens Francos Spanien. Fantasivärlden är inte en enkel flykt från verkligheten, utan snarare en metaforisk lins genom vilken Ofelia bearbetar och konfronterar dess fasor. Teman som val och olydnad är centrala; Ofelia prövas ständigt, tvingas välja mellan blind lydnad mot auktoritära figurer som Vidal och Faunen, och sin egen medfödda moraliska kompass. Filmens mest skrämmande skapelse, den Bleke Mannen, en barnätande varelse, är en direkt allegori över fascismens och den medskyldiga katolska kyrkans institutionella ondska.
Filmen hade premiär på filmfestivalen i Cannes 2006, där den möttes av en 22 minuter lång stående ovation, en av de längsta i festivalens historia. Den blev ett globalt fenomen, spelade in över 83 miljoner dollar på en blygsam budget på 19 miljoner och fick utbredd kritikersuccé. Den fick sex Oscar-nomineringar, inklusive för Bästa originalmanus för del Toro, och vann tre Oscarstatyetter för filmfoto, scenografi och smink. Filmen var den perfekta destillationen av hela hans konstnärliga identitet, det verk som hela hans karriär hade byggt upp mot, och den gav honom enormt kreativt kapital för alla hans framtida projekt.
Auteuren som producent och samarbetspartner
Efter den monumentala framgången med Pans Labyrint expanderade del Toros inflytande långt bortom hans eget regiarbete. Han befäste sin roll som en central, generativ kraft i modern fantasy-berättande och använde sitt nyvunna inflytande för att stötta andra filmskapare och expandera sitt kreativa universum över flera plattformar. Hans arbete som producent är inte en sidoverksamhet, utan en direkt förlängning av hans impuls att bygga världar. Oförmögen att personligen regissera varje berättelse som fångar hans fantasi – som hans berömda, men aldrig förverkligade, hjärteprojekt, en filmatisering av H.P. Lovecrafts Vid vansinnets berg – använder han sitt inflytande för att ge liv åt tematiskt besläktade världar.
Han fungerade som producent och mentor för hyllade spanskspråkiga skräckfilmer som J.A. Bayonas Barnhemmet (2007) och Andy Muschiettis Mama (2013), och närde nya talanger inom den genre han älskar. Han blev också en central kreativ kraft inom animation och fungerade som exekutiv producent för DreamWorks Animation-filmer som Mästerkatten (2011), De fem legenderna (2012) och uppföljarna till Kung Fu Panda. Hans räckvidd sträckte sig även till blockbuster-franchises och tv. Efter att ha varit knuten till att regissera filmatiseringen av Hobbit drog han sig slutligen tillbaka från registolen men förblev en krediterad medförfattare på alla tre filmerna i Peter Jacksons trilogi och formade därmed berättelsen om Midgård. Han gav sig in i tv-världen som medskapare och exekutiv producent för FX-serien The Strain (2014–2017), baserad på trilogin av vampyrromaner han skrev tillsammans med Chuck Hogan. För Netflix skapade han den vidsträckta och älskade animerade franchisen Sagor från Arcadia, som omfattar serierna Trolljägarna, Tre har landat och Trollkarlarna. Genom dessa olika projekt kuraterar del Toro effektivt ett större, delat universum av mörk fantasy och använder sitt namn och sina resurser för att bygga sitt ”kuriosakabinett” i en mycket större skala än han skulle kunna uppnå ensam.
En okonventionell kärlekshistoria: Formen av en Oscar
År 2017 regisserade Guillermo del Toro filmen som skulle ge honom branschens ultimata utmärkelser: The Shape of Water. Filmens uppkomst låg i ett barndomsminne – att se Skräcken i Svarta lagunen och önska att monstret och den kvinnliga huvudrollen hade kunnat lyckas med sin romans. Decennier senare gav han liv åt den önskan i en saga från kalla krigets era som blev hans mest hyllade verk.
Handlingen utspelar sig i Baltimore 1962 och kretsar kring Elisa Esposito, en stum städerska på ett hemligt regeringslaboratorium. Hennes liv i tyst isolering förvandlas när hon upptäcker laboratoriets mest känsliga tillgång: en amfibisk, humanoid varelse som fångats i Amazonfloden. När hon bildar ett tyst band med varelsen, avslöjar hon en komplott av en sadistisk regeringsagent för att dissekera den. Filmen är en vacker, melankolisk ode till outsiders, där Elisas funna familj – hennes homosexuella granne som levde i garderoben och hennes afroamerikanska kollega – representerar erans marginaliserade röster. Gjorda på en relativt blygsam budget på 19,5 miljoner dollar är The Shape of Water en mästarklass i atmosfär och känsla, och använder sin 1962-miljö som ”en saga för oroliga tider” för att kommentera dagens sociala och politiska ångest.
Filmen hade premiär på filmfestivalen i Venedig, där den vann Guldlejonet, och blev en kritiker- och pris-säsongens tungviktare. Dess triumfnatt kom vid den 90:e Oscarsgalan. Filmen, som hade fått ledande tretton nomineringar, vann fyra Oscarstatyetter, inklusive för Bästa scenografi, Bästa originalmusik, Bästa regi för del Toro och det eftertraktade priset för Bästa film. Det var ett historiskt ögonblick. I decennier hade genrefilmer i stort sett förvisats till tekniska kategorier av stora prisorgan. Med denna seger omfamnade Akademin fullt ut del Toros livslånga argument: att en berättelse om ett monster, och en romans mellan en kvinna och en ”fiskman”, kunde vara lika djup, konstnärlig och värdig branschens högsta ära som vilket traditionellt drama som helst. Den ”oädla materia” han så högt värderade hade alkemiskt förvandlats till cinematiskt guld i etablissemangets ögon.
En vision i utveckling: Noir, animation och framtiden
Under åren efter sin Oscars-triumf har del Toro fortsatt att utvecklas som konstnär, utforskat nya genrer samtidigt som han fördjupat sig i sina äldsta passioner. År 2021 släppte han Nightmare Alley, en betydande avvikelse som hans första långfilm utan övernaturliga element. Som en påkostad och dyster filmatisering av William Lindsay Greshams roman från 1946 är filmen en ren, mörk utforskning av mänsklig ambition och fördärv, och visar hans behärskning av klassisk film noir. Med sin fantastiska scenografi och en tour-de-force-prestation från Bradley Cooper fick filmen fyra Oscar-nomineringar, inklusive för Bästa film, vilket bevisade att hans konstnärliga kommando sträckte sig bortom det fantastiskas rike.
Han följde upp detta med ett projekt som hade legat och grott i över ett decennium: Guillermo del Toros Pinocchio (2022). Genom att återvända till sin första kärlek, stop-motion-animation, omdanade han den klassiska sagan inte som en barnberättelse, utan som en mörk, djup fabel om liv, död och olydnad mot bakgrund av Mussolinis fascistiska Italien. Filmen var ett tekniskt och emotionellt underverk, hyllad för sin hantverksmässiga skönhet och sina mogna, antifascistiska teman. Den sopade mattan med konkurrensen under prissäsongen och kulminerade i ytterligare en Oscar-vinst för del Toro, denna gång för Bästa animerade film.
Denna seger har befäst en ny väg framåt för regissören. Han har sagt att han efter ett par live-action-filmer till planerar att ägna resten av sin karriär främst åt animation, ett medium han anser vara den ”renaste konstformen” och den som erbjuder mest kreativ kontroll. För en filmskapare som är besatt av minutiös världsbyggnad – en önskan född ur hans barndoms Super 8-filmer och befäst av traumat av studioinblandning – representerar stop-motion den sista gränsen. Det är det enda mediet där regissörens hand bokstavligen är med i varje enskild bildruta, ett direkt och kompromisslöst uttryck för hans vilja. Denna vändning sluter cirkeln för hans resa, från pojken som animerade sina leksaker i Guadalajara till mästaren som animerar sina dockor på en global scen.
En livslång passion återuppväckt: Frankenstein
År 2025 förväntas del Toro släppa Frankenstein, ett projekt som representerar kulmen på en livslång konstnärlig besatthese. För del Toro är historien inte bara en klassiker i genren; den är en personlig religion. Han har talat om att se Boris Karloffs monster som barn och för första gången förstå ”hur ett helgon eller en messias såg ut”. Denna djupt personliga koppling har drivit hans önskan att filmatisera Mary Shelleys roman i decennier, i väntan på rätt förutsättningar för att skapa en version som kunde rekonstruera hela historiens värld i rätt skala.
Hans vision för filmen är inte en konventionell skräckfilm, utan snarare en ”otroligt emotionell historia”. Han siktar på att återfånga känslan av att läsa romanen för första gången, innan dess karaktärer blev kulturella karikatyrer. Berättelsen kommer att fokusera på det komplexa förhållandet mellan skapare och skapelse, och utforska teman som faderskap och sonskap som är djupt rotade i del Toros eget liv. Filmen har Oscar Isaac i huvudrollen som den geniala och egoistiska vetenskapsmannen Victor Frankenstein, med Jacob Elordi i rollen som hans tragiska skapelse. I rollistan finns också Mia Goth, Christoph Waltz och Charles Dance. Filmen är planerad för en begränsad biopremiär den 17 oktober 2025, innan den streamas globalt på Netflix den 7 november 2025. Del Toro har beskrivit filmen som slutet på en era för honom, en storslagen syntes av de estetiska, rytmiska och empatiska angelägenheter som har definierat hans arbete från Cronos till idag.
Ofullkomlighetens skyddshelgon
Guillermo del Toros karriär är ett bevis på kraften i en unik, djupt personlig vision. Hans resa från en monsterbesatt pojke i Guadalajara till en hyllad mästare av moderna fabler har definierats av ett orubbligt engagemang för sina kärnvärderingar. Han har konsekvent försvarat de utstötta, de ”andra” och de ofullkomliga, och funnit i dem en själfull skönhet som speglar vår egen bristfälliga mänsklighet. Hans starka antiauktoritära hållning, oavsett om den riktas mot fascismens maskineri eller kyrkans dogmer, löper som en kraftfull underström genom hela hans verk. Han är en auteur i ordets rätta bemärkelse, vars tematiska angelägenheter och distinkta visuella språk är omedelbart igenkännliga. Hans filmer är mörka men hoppfulla, groteska men poetiska, och de verkar utifrån den djupa förståelsen att sagor inte är en flykt från verkligheten, utan ett livsviktigt verktyg för att navigera i dess mörkaste hörn.
Guillermo del Toro skapar inte bara monster; han förstår dem, han älskar dem, och han ser dem som skyddshelgon för en värld som desperat behöver omfamna sina ofullkomligheter. Genom att göra det håller han upp en vackert säregen och djupt empatisk spegel för oss, för det monstruösa och det magiska inom oss alla.
