I den ibland mättade musikalfilmsvärlden är det få produktioner som bär ett så stort ansvar som denna filmatisering av Gregory Maguires och Stephen Schwartz verk. Det som började som en litterär omstörtning av Amerikas mest berömda skurk har, efter årtionden av framgång, blivit mer än bara underhållning: det är en konversation om moral, berömmelse och hur frätande makt kan vara.
Om den första delen bjöd in oss att trotsa gravitationen, lovar denna avslutning något mer jordnära och drabbande: en definitiv utforskning av vad det innebär att förändras för alltid. Med titeln Wicked: For Good är filmen inte en enkel uppföljare för att knyta ihop lösa trådar. Den är fullbordandet av ett narrativt löfte som tagit år att nå bioduken i den skala den förtjänar. När vi dyker ner i denna produktion finner vi ett fascinerande ekosystem där kvinnlig vänskap, konstnärlig integritet och det gamla Hollywoods juridiska kuriosa möts för att än en gång omdefiniera den gula tegelvägen.
Farvällets semantik: Från ”For Good” till ”Del II”
Under produktionen var projektet känt som helt enkelt den andra delen. Men regissören Jon M. Chu och hans team bestämde sig för att döpa om den på engelska till Wicked: For Good. Även om den på vissa marknader kommer att behålla en mer direkt titel, är det värt att stanna upp vid skaparnas ursprungliga avsikt, eftersom det är en principförklaring.
Originaltiteln var inte ett marknadsföringsknep. For Good refererar direkt till en av de mest ikoniska och tårframkallande duetterna inom musikalteatern: avskedssången mellan huvudpersonerna. Dessutom är det en oöversättlig ordlek som berikar subtexten: på engelska betyder for good både ”för alltid” (en oåterkallelig förändring) och ”för det goda” (en välvillig avsikt). Filmen strävar efter att vara en enhet med en egen identitet, en upplevelse som står för sig själv och som lovar att lämna ett outplånligt avtryck, oavsett vad vi kallar den på bioaffischen.
Den alkemiska kemin: Cynthia och Ariana
Om det finns ett hjärta som slår under de visuella effekterna och kostymerna, så är det den elektriska kopplingen mellan Cynthia Erivo (Elphaba) och Ariana Grande (Glinda). Filmen är beroende av att deras band känns äkta. Lyckligtvis överträffade det som hände på inspelningsplatsen fiktionen: de skapade ett systerskap som blev motorn under hela inspelningen.
Sårbarhet och sång live
Cynthia Erivo har beskrivit arbetet med Grande som en ”ömsesidig väg” baserad på generositet. Det krävdes inga forcerade repetitioner för att skapa kemi; ”klicket” var omedelbart. Erivo berättar hur Ariana besökte hennes hem före inspelningen bara för att prata om livet, och därmed skapade den grund av förtroende som behövdes för det som komma skulle.
Och det förtroendet var livsviktigt. Till skillnad från nästan alla moderna musikaler, där man mimar till studiospår, insisterade regissören på radikal äkthet: att sjunga live på plats. Erivo förklarar att sång är en extremt sårbar handling, ett hopp ut i det okända utan postproduktionens skyddsnät. För att lyckas slöt de en pakt: att ta hand om varandra och skydda varandras kreativa utrymme.
Detta förändrar vad vi ser på duken. När karaktärerna kämpar för att andas eller bryter ihop känslomässigt, återspeglar deras röster den verkliga fysiska ansträngningen. Ariana Grande, känd för sin pop-precision, tillät sig själv att vara ofullkomlig och lät rösten darra eller brista om ögonblicket krävde det.
Avskedets känslomässiga tyngd
Kulmen på detta samarbete nåddes vid inspelningen av musikalnumret ”For Good”. Enligt vad som berättats var det inte bara ännu en inspelningsdag; det var en katarsis. Grande erkände att de grät nästan dagligen på grund av berättelsens intensitet, men den sången var förkrossande.
När de spelade in den scenen agerade de inte längre. De hade levt sina karaktärers utveckling och förstod på djupet vad de lämnade bakom sig. Det var inte bara sångteknik; det var resultatet av månader av gemensam utveckling. Inspelningsteamet, som vanligtvis är ganska stoiskt, slutade med tårar i ögonen. För att besegla detta skaffade skådespelerskorna matchande tatueringar på händerna: en vallmo och frasen ”For Good”. En permanent påminnelse om att, som sången säger, de har förändrat varandra till det bättre.
Skratt mellan tårarna
Men allt var inte drama. Inspelningsplatsen hade också mycket mänsklighet och roliga stunder. En fantastisk anekdot handlar om Glindas berömda bubbelklänning och en parfymflaska som gav ifrån sig ett gnisslande ljud mitt under en tagning, vilket framkallade ett skrattanfall hos Ariana som smittade av sig på alla. Eller Jonathan Bailey (prins Fiyero), som i en scen med maximal romantisk spänning hade en ”incident med en blomma” som förstörde tagningen men lättade upp stämningen. Denna virala vänskap märks även i intervjuer, där en enkel gest som Ariana som håller Cynthias hand blir en meme för känslomässigt stöd.
Ett mörkare och mer realistiskt Oz
Visuellt rör sig Wicked: For Good bort från den klassiska fantasins mättade lyster för att träda in på ett mörkare och mer moget territorium. Jon M. Chu har varit tydlig: om den första delen handlade om förundran och upptäckt, handlar den här om konsekvenser och motstånd.
Dystopins inflytande
Chu nämner influenser som The Truman Show för att förklara denna förändring. Oz upphör att vara ett paradis och avslöjas som en polisstat där propagandan styr. Estetiken återspeglar detta uppvaknande: i takt med att karaktärerna ser sanningen bakom Trollkarlen, försvinner den artificiella glansen. Scenografin designades för att vara ”på gränsen till galenskap”, och blandar Art Nouveau-skönhet med en känsla av tyngd och förtryckande verklighet.
Påtaglig magi
I en tid av green screens valde man här det påtagliga. Tusentals riktiga tulpaner planterades och massiva fysiska kulisser byggdes. Tanken är att förankra magin i fysiken; när Elphaba flyger, reagerar omgivningen på riktigt. Cynthia Erivo utförde många av sina egna stunts, inklusive en flyktsekvens med hjälp av ett katrolsystem som krävde ren fysisk styrka. Magin här har en synlig kostnad och ansträngning.
Dorothys gåta och silverskorna
Här kommer en fascinerande detalj för filmälskare: filmen hanterar kopplingen till Trollkarlen från Oz (1939) och originalromanen med stor intelligens och respekt för upphovsrätten.
Tillbaka till det litterära ursprunget
Om du förväntar dig att se de berömda rubinskorna kommer du att bli överraskad: de är av silver. Det är inget misstag, det är en historisk korrigering och en juridisk nödvändighet. I romanen från 1900 var skorna av silver. Det var MGM:s film från 1939 som ändrade dem till röda för att framhäva Technicolor. Eftersom ”rubinskorna” är Warner Bros. egendom (och detta är en Universal-film), kunde de inte användas.
Men teamet omvandlade denna begränsning till en dygd. Genom att använda silverskorna ligger de i linje med boken och Broadway-musikalen. Dessutom är dessa skor i handlingen i Wicked: For Good en familjeklenod från Elphabas och Nessaroses mor, vilket ger dem en känslomässig laddning som sträcker sig bortom ett enkelt magiskt föremål.
Flickan utan ansikte
Ett annat djärvt beslut är hur de behandlar Dorothy. Även om hon utlöser slutet på historien, håller filmen henne som en perifer, nästan ”ansiktslös” figur. Vi kommer inte att se hennes närbilder eller hennes inre resa. Kameran är lojal mot Elphaba och Glinda. Genom att visa Dorothy bakifrån eller på avstånd skyddar filmen den ikoniska bild vi har av henne, men understryker att denna historia inte tillhör henne. Det är ett elegant beslut: den här gången är det häxan som har mikrofonen, inte flickan som dödade henne.
Ny musik för en gammal värld
Stephen Schwartz, originalkompositören, har återvänt för att utvidga det musikaliska universumet och säkerställer att hoppet till bioduken motiverar sin existens med nytt material.
”The Girl in the Bubble” och ”No Place Like Home”
Två nya låtar som inte finns i teaterversionen har lagts till. ”The Girl in the Bubble” (Flickan i bubblan), framförd av Ariana Grande, utforskar kändisskapets ensamhet. Medan Oz avgudar henne, visar sången isoleringen av att leva i en bubbla av perfektion, oförmögen att knyta an på riktigt.
”No Place Like Home” (Ingen plats är som hemma), sjungen av Cynthia Erivo. Titeln är en briljant ironi över Dorothys berömda fras. I Elphabas mun talar den om smärtan av exil och att inte finna tillhörighet i sitt eget land. De är inte utfyllnad; filmen tillåter en närhet till tystnaden och introspektionen på ett sätt som teatern ibland inte medger, och dessa sånger fyller dessa känslomässiga utrymmen.
En lyxig rollbesättning
Bortom huvudrollsinnehavarna tillför birollerna avgörande nyanser. Michelle Yeoh (Madame Morrible) blir mer olycksbådande och använder meteorologi som ett politiskt vapen. Jeff Goldblum (Trollkarlen) ger oss en blandning av karisma och patos, och visar en medioker man som är livrädd för att förlora sin makt. Jonathan Bailey (Fiyero) fullbordar den känslomässiga triangeln med en tragisk förvandling som smärtsamt knyter an till Fågelskrämmans mytologi. Och Ethan Slater (Boq) har en utveckling som sår fröna till hans framtid som Plåtmannen, med subtila detaljer som hans lätthet till gråt, vilket förebådar hans rostiga öde.
Handlingen: Från berömmelse till exil
Wicked: For Good återupptar handlingen precis där den förra slutade, men allt har förändrats. Elphaba lever i exil, demoniserad som den ”Onda Häxan”, och kämpar från skuggorna. Glinda, å andra sidan, är regimens glamorösa symbol i Smaragdstaden och förbereder sitt bröllop med Fiyero, men är fångad i en gyllene bur designad av Morrible för att distrahera massorna.
Konflikten bryter ut när Glinda försöker förhandla fram en omöjlig fred mellan sin vän och Trollkarlen. Det är en berättelse som utforskar aktivismens personliga kostnad ställd mot medskyldighetens moraliska pris.
En hyllad och fantasifull förnyelse av Oz Värld
Det som gör Wicked: For Good så spännande är inte bara hur den slutar – ett slut som nästan alla känner till genom populärkulturen – utan hur den omdefinierar början. När eftertexterna rullar är löftet att vi aldrig kommer att se Trollkarlen från Oz på samma sätt igen. Den onda häxan är inte längre ett platt monster, utan en tragisk aktivist; den goda häxan är inte en obefläckad frälsare, utan en politisk överlevare som offrade sin sanning för att bevara freden.
Produktionen har varit minutiös för att inte svika verkets anda, men modig nog att expandera den. Från att dela upp historien i två delar för att inte offra utveckling, till att kräva sång live för att fånga de råa känslorna. Det är ett projekt som hedrar Broadway men använder filmen för att gå bortom det.
Resan har varit lång och har övervunnit strejker och år av utveckling. Men väntan är över. Wicked: For Good har premiär på amerikanska biografer den 21 november, med en successiv internationell lansering. Det är dags att flyga, inte på kvastar, utan i en berättelse som påminner oss om att ibland, för att göra gott, måste man vara beredd att kallas ond.
